Sjangeren minimalisme avsløres i ulike former for kunst: maleri, musikk og litteratur. Det oppsto på 60-tallet av XX-tallet og ble til som et svar på abstrakt ekspresjonisme. Minimalister prøvde å bevege seg bort fra de ekspressive trekkene til abstrakt ekspresjonisme, da de anså disse verkene for pompøse, og bagatelliserte selve kunstens essens. Tvert imot prøvde kunstnere av den minimalistiske sjangeren å lage et bilde fra enkle linjer og figurer. Minimalisme er preget av tolkning av verk gjennom betrakterens øyne. Spesielt for dette kunstverket fjernes alle komplekse objekter, midler til selvuttrykk, biografier og sosiale programmer. Betrakteren bør se bildet slik det virkelig er: fullt av jomfruelig skjønnhet og ærlighet.
På grunn av den sterke vektleggingen av grunnleggende elementer, ble sjangeren minimalisme kjent som ABC-kunst. De fleste av de mest fremtredende minimalistene var skulptører, men minimalisme var også utbredt i Land Art, en avlegger av sjangeren som hadde som mål å skape kunst i form av landskap, i hovedsak en gren av landskapsdesign.
Minimalisme er også fokusert på bevegelse av lys og rom, men mange kunstnere av denne sjangeren prøver å skildre tomhet i verkene sine.
Det ble antatt at minimalisme oppsto i Asia. For arbeidet til mange vestlige kunstnere, som eksemplifisert av Agnes Martin, har zenbuddhismen hatt en enorm innvirkning. Den enorme massen av minimalistiske kunstnere ble påvirket av konseptet "tomhet" lånt fra de hinduistiske skriftene. Mono-ha var en av de største minimalistiske bevegelsene i Asia. Det var Japans første internasjonalt anerkjente samtidskunstbevegelse. Mono-ha, også referert til som "Tingenes skole", oppsto på midten av 60-tallet av XX-tallet, og ble deretter en nyskapende kunstbevegelse. Denne gruppen ble ledet av Li Ufang og Nobuo Sekine. Det var den eneste foreningen som posisjonerte sine aktiviteter som "ikke-kreativitets"-aktiviteter. Slike grupper avviste tradisjonelle ideer om representasjon. Deres ønske var å avsløre verden ved å samhandle med materialer og deres egenskaper, lik den vestlige trenden med minimalisme.
Vi tilbyr for å se de mest kjente verkene av minimalistisk kunst, med vekt på å tilhøre denne sjangeren. Du vil også bli presentert for malerier og skulpturer som ødelegger tradisjonelle ideer om kunst generelt, siden de har visket ut forskjellene mellom dem.
Frank Stella "Bannere mot himmelen!" (1995)
Frank Stella, som maler, skulptør og grafiker, regnes som en av de mest innflytelsesrike amerikanske kunstnerne som lever i dag. Hans malerier, fulle av striper, så vel som grandiose trykk, revolusjonerte ikke bare minimalismens verden, men også abstraksjonen. Forfatteren bemerker at den største innflytelsen på arbeidet hans ble gitt av de abstrakte kunstnerne Pollock og Klein. Men etter skjebnens vilje ble Frank Stella en av minimalismens grunnleggere.
"Bannere opp!" oppkalt etter nazistenes marsjsang, men alt bortsett fra navnet på bildet ser ikke ut til å ha noen betydning. Dette verket er en del av en stor syklus av Stellas mørke verk. De lyse linjene, godt synlige på bildet, er bare et ubehandlet lerret som står igjen blant brede sorte striper. Dette monokrome verket er et av de mest kjente maleriene som utfordrer den abstrakte bevegelsen.
Robert Morris, Uten tittel (Mirror Cubes) (1965/71)
«Untitled (Mirror Cubes)» av Robert Morris avslører ham ikke bare som skaperen av den minimalistiske sjangeren, men også som en konseptuell. Forfatteren kom over store grå bokser laget av kryssfiner og brukt som dekorasjoner mens han fortsatt opptrådte med et ballettkompani. I sitt arbeid dekket han disse boksene med speil, og endret dermed måten å oppfatte på, og la til nye visuelle egenskaper til enkle grå kuber. Komposisjonen er rettet mot betrakterens direkte interaksjon med objektet: når de går mellom speilkubene, kolliderer betrakterne ufrivillig med seg selv og forblir som alene med tankene sine, men alene med alle. Handlingen med å beundre et kunstverk blir plutselig avbrutt av letingen. Det er på dette grunnlaget «invasjonen» av gallerirommet skjer. En person begynner å føle tilstedeværelsen av kunst utover det synlige.
Agnes Martin, Tilbake til verden (1997)
Agnes Martin malte malerier som ikke avbildet gjenstander på noen måte, men navnene deres understreket naturens sterke sjarm. Martins arbeid ble anerkjent av et rutenett som kombinerer minimalisme og fargevalg. Rutenettet ble brukt til å organisere rommet på lerretet. Hun har bidratt til å skape et uendelig utvalg av beroligende verk i subtile fargeskalaer.
Sterkt påvirket av Zen-buddhisme og taoisme, har Martin vært veldig løsrevet fra verden i det meste av livet, til og med bosatt i New Mexico. I en alder av 40 år fikk hun diagnosen schizofreni. "Back to the World" ble skrevet i hennes 9. tiår av livet. På den tiden var hun på sykehjem. Stripene av blått, fersken og gult fortsatte fortsatt å understreke kunstens eksklusivitet i en verden full av korrupsjon, så hun reduserte størrelsen på lerretene for å ha mindre problemer med dem.
Ellsworth Kelly, rød, gul, blå II (1953)
Tjeneste under andre verdenskrig hadde en klar innvirkning på Ellsworth Kelly. Det ble på en måte brukt som observasjon av natur og arkitektur, og så ble det brukt i praksis. En nøye studie av abstraksjon av forfatteren og dens anvendelse i verkene hans utviklet minimalisme. Serien av malerier "Rød, gul, blå" påvirket måten å male på. Den ble opprettet så snart Kelly oppdaget de uendelige mulighetene med monokrom fargespekter, tilfeldighet og komposisjon med flere paneler.
Rød Gul Blå II består av syv paneler. Det sentrale svarte panelet er både et skillepanel og tre paneler på hver side. Blå paneler i endene fremhever Kellys komposisjon. Det er dette verket som regnes som et av hans beste verk, samt det største verket under oppholdet i Paris.
Sol Levitt, Malte vegger
Sol Levitt har malt 1350 vegger i løpet av 40 år av sin karriere, hvorav 3500 er installasjoner på 1200 steder. Designene var helt forskjellige: fra rette striper påført med svart skifer, til flerfargede bølgete linjer, monokrome geometriske former og lyse rom malt med akryl. Forfatteren avviste den tradisjonelle betydningen av skaperens egen hånd, og lot ham hjelpe andre med å lage kunstverket hans. Veggmaleriene hans tok form av rommene de okkuperte, derfor ble de utsatt for studier innen arkitektur og kunst.
Levitt gikk bort i 2007, men arbeidet hans fortsetter å leve, fordi kunstnerens ånd er innebygd i dem. I dag er det flere kunstnere som nekter å gjenskape veggmaleriene hans, og dermed lar dem dekorere vegger rundt om i verden.
Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)
Rainbow Picket er en installasjon i romstørrelse. Den består av seks trapeser, forskjellige i farge og lengde. I tillegg til den første separatutstillingen på Rolf Nelson Gallery i Los Angeles (januar 1966), ble dette verket vist i den grunnleggende utstillingen «Basic Structures» på det jødiske museet.Clement Greenberg, kjent kritiker, snakket om dette arbeidet som det beste på dette området. I 2004 ble Rainbow Picket rekonstruert, og senere ble objektet kjennetegnet til LAMOCA «Minimalistic Future? Kunst som et objekt (1958-1968) ".
Ved å lage verk som dette, teste fargens muligheter med sine selvlagde romlige mønstre og skjemaer, ble Judy Chicago berømt som en innovatør innen den minimalistiske sjangeren.
Dan Flavin, "Uten tittel (etter Harold Joachim) 3" (1977)
«Uten tittel (etter Harold Joachim) 3» er ett av mange verk av Dan Flavin. Den består av LED-lamper og metallklemmer. Forfatteren studerte mulighetene for fluorescerende lys i tre tiår, og utførte sitt arbeid bare med kommersielt tilgjengelige materialer. Etter å ha gitt avkall på konseptene abstrakt ekspresjonisme, begynte Flavin å bruke slikt utstyr, og introduserte det deretter i en verden av høy kunst. Ved første øyekast ser arbeidet ut til å være så enkelt som mulig, men hvis du ser nøye etter, vil du se en dyp sofistikering av verket.
Flavins verk har en tendens til å gå utover rommet de befinner seg i, takket være lysspillet og en rekke fargepaletter. Objektene lar betrakteren bade i den varme gløden fra LED-ene, og skaper en spesifikk atmosfære.
Eva Hesse, "An Nameless Work (Pieces of Rope)" (1970)
Eva Hesse ble født i Tyskland. Vi kjenner henne nå som en innovativ amerikansk skulptør innen arbeid med lateks, glassfiber og plast. Hun la grunnlaget for utviklingen av post-minimalisme på 60-tallet av XX-tallet. Forfatteren utforsket egenskapene til de enkleste materialene for bruk i illustrasjoner for mye mer.
«The Nameless Work (Pieces of Rope)» ble til i 1970, da Hesse allerede var på randen av døden, og ble fullført med hjelp fra kameratene. Utstillingen er laget av lateks strukket over tau, fiskesnøre og wire og hengt opp i taket. Den simulerer et sammenfiltret mønster i rommet. Hesse har gått bort fra minimalismens tradisjonelle ryddelighet, men hennes måter å presentere stoff på oppfattes innenfor sjangeren.
Donald Judd, jobb uten tittel (1980)
Donald Judd benekter på det sterkeste sin forbindelse med minimalisme. Til tross for dette er han en av grunnleggerne. På begynnelsen av 60-tallet av det tjuende århundre oppdaget forfatteren en viss fiendtlighet mot europeiske kunstneriske verdier, så han flyttet bort fra arbeidet til en skulptør og begynte å lage verk som ikke kunne tilskrives noen av de ovennevnte kunstseksjonene. Arbeidene hans har også blitt stilt ut på Major Structures i New York.
På 1980-tallet begynte Judd å lage hengende, vertikale hyller. Et eksempel på dette er «arbeid uten tittel» (1980). Til nå kan denne typen arbeid ikke tilskrives maleri. Ikke en skulptur. verket er laget av 2 typer materialer: aluminium og plexiglass. Dette gjøres for at betrakteren skal tenke på kunstens motstridende natur: de ugjennomsiktige og besettende figurene fra siden er knyttet til dypet av rommet foran.
Vi anbefaler å se:
Forstå MINIMALISME generelt, hvorfor vi blir vist det på museer. Hvordan minimalisme begynte å utvikle seg og hvordan den påvirket livene våre!
